¿De qué manera es posible aprovechar el potencial de difusión de las redes sin reducir el arte a una sucesión de escenarios pensados para ser fotografiados? Algunas de las propuestas presentadas en Argentina durante 2026 permiten explorar distintas respuestas a estas preguntas.
Por Mónica Pano
En los últimos años, las redes sociales han ampliado considerablemente la difusión de las exposiciones de arte. Los contenidos que antes circulaban principalmente a través de los medios de comunicación y la crítica especializada conviven hoy con las fotografías, los videos y los comentarios de los visitantes. Estas publicaciones no sólo multiplican el alcance de las muestras, sino que también pueden despertar el interés de nuevos públicos y aumentar las convocatorias.
Sin embargo, el impacto de las redes en los espacios culturales parece haber ido más allá de la comunicación y el marketing: también está transformando la manera en que las personas se relacionan con el arte. La experiencia de una exposición comienza, muchas veces, antes de la visita, a través de imágenes que despiertan la curiosidad y generan expectativas. Continúa en las salas, donde cada visitante construye su propio recorrido y registra aquello que le llama la atención, y se prolonga después, cuando comparte su mirada con otros usuarios y recibe su devolución. Este circuito constante entre el espacio físico y el digital está influyendo cada vez más en la manera de concebir, diseñar y montar las mismas exposiciones.
Para curadores, artistas e instituciones culturales, la dinámica abre múltiples oportunidades pero también plantea nuevos desafíos. ¿Cómo puede una exposición dialogar con el entorno digital sin perder la singularidad de la experiencia presencial? ¿De qué manera es posible aprovechar el potencial de difusión de las redes sin reducir el arte a una sucesión de escenarios pensados para ser fotografiados? Algunas de las propuestas presentadas en Argentina durante 2026 permiten explorar distintas respuestas a estas preguntas.
Nuevas formas de contemplación
Desde la presentación local de Imagine Van Gogh en 2022, los formatos inmersivos lograron en las redes sociales un lugar privilegiado. En lugar de observar una pintura desde cierta distancia, el visitante puede en este tipo de muestras quedar rodeado por sus colores, formas y movimientos.
A comienzos de año, el Centro de Experimentación del Teatro Colón inauguró por ejemplo Colón Inmersivo: Monet, una iniciativa que invitaba a conocer el trabajo del pintor francés mediante proyecciones envolventes, realidad virtual, música y una narración sobre sus investigaciones artísticas. La propuesta buscaba acercar al público al universo impresionista mediante una experiencia sensorial que ampliara las formas tradicionales de contemplación.
En una entrevista publicada en su sitio web, el director creativo de la muestra, Stefano Fake, explicó que la idea respondía a la búsqueda de un vínculo diferente con el arte. “Vivimos rodeados de imágenes, pero muchas veces esas imágenes no generan una experiencia profunda. Las experiencias inmersivas responden a un deseo de volver a sentir el arte con el cuerpo, con el tiempo y con la emoción, no solo con la mirada intelectual. No se trata únicamente de aprender datos o reconocer obras famosas, sino de vivir un contacto más íntimo con la pintura, con su atmósfera y con el pensamiento del artista”, señaló.
Estos formatos, sin embargo, también habilitan un nuevo planteo: las imágenes espectaculares pueden funcionar como una puerta de entrada al arte, pero también condicionar la visita si el recorrido se organiza principalmente alrededor de aquello que resulta atractivo en una pantalla. El desafío no consiste en descartar la tecnología, sino en preguntarse qué aporta a la comprensión de las obras y qué experiencias hace posibles. La inmersión puede proponer otra forma de mirar, siempre que no se limite a convertir la pintura en un fondo visual.
Cuando el público también es protagonista
En la vereda de enfrente de la contemplación pasiva están las propuestas interactivas y lúdicas que invitan al público a recorrer ambientes, explorar distintas instalaciones y ser partícipes activos de las muestras. Más allá de las iniciativas más conocidas como “artetainment” —como Blow Up Experience, Secret Garden e incluso Mafalda Inmersiva—, orientadas al ocio familiar y con un lugar central para las fotos y los videos de los visitantes, muchas exhibiciones incursionaron este año en otras formas de acercamiento al arte.
Un ejemplo es Escultura de los Deseos, de Marta Minujín, inaugurada en septiembre en la explanada del Museo Castagnino de Rosario. La estructura inflable, de quince metros de altura y compuesta por veinte figuras blandas entrelazadas, invitaba a ingresar, recorrer su interior y susurrar deseos personales, en un entorno de colores vibrantes y sonidos de pájaros. El visitante podía atravesar la obra y participar de la propuesta, combinando lo íntimo con lo colectivo.
En este tipo de formatos la circulación digital puede llegar a intervenir desde las primeras decisiones de diseño: dónde ubicar la pieza más fotografiable, qué iluminación favorece el contraste en la pantalla de un celular o qué altura necesita una instalación para entrar completa en un video vertical. Pero eso no significa que el arte quede reducido a una imagen. También puede estimular nuevas formas de encuentro con las obras o de acercarlas a públicos que habitualmente no visitan los museos.
“Yo soy esencialmente pop”, aseguró Minujín durante la conferencia de prensa inaugural. Y sobre la instalación, explicó: “La intención fue construir un lugar en el que el espectador pudiera soñar y tener un minuto de paz, de belleza, de color y de vida”. La pieza, en realidad, retoma una línea central de su trayectoria: la creación de espacios que no se contemplan únicamente desde afuera, sino que invitan a ser habitados. Y en ese sentido, la fotografía otra vez se queda corta: puede registrar algunos aspectos de la propuesta, pero difícilmente transmitir por completo la sensación de estar ahí, la escala del espacio, el movimiento del cuerpo o el carácter compartido de la visita.
La experiencia híbrida
Entre la contemplación tradicional y la inmersión tecnológica existe una zona de convivencia cada vez más interesante. Algunas exposiciones no reemplazan las obras por proyecciones ni transforman toda la sala en un entorno interactivo, sino que combinan piezas originales y recursos digitales para que cada lenguaje realice un aporte diferente y complementario.
La Pampa Cósmica de Pérez Celis, curada por Rodrigo Alonso, es uno de los casos más recientes. Inaugurada en septiembre en el Palacio Libertad, reunió pinturas del período pampeano del artista y una videoinstalación inmersiva. De esta manera proponía dos espacios integrados: una sala dedicada al encuentro directo con las piezas originales y otra en la que sus formas, colores y paisajes se expandían fuera del marco mediante proyecciones, luces y sonidos, dos modos sensoriales de aproximarse a una misma investigación visual.
En una entrevista difundida por la Fundación Pérez Celis en Instagram, Alonso explica que esta etapa de la producción del pintor estuvo marcada por sus viajes por América Latina y por el interés en las culturas prehispánicas. También señala la influencia del arte pop, la psicodelia y la exploración espacial. “Pérez Celis decía que cuando uno viaja por el interior del país y se encuentra con esos grandes horizontes, de alguna manera también encuentra ese sentir cósmico que buscan los astronautas cuando se van fuera del planeta. Y entonces empieza a hacer una relación entre el interior y exterior, donde la Pampa se abre a una experiencia espiritual”, agrega.
Aunque muy provechoso, este tipo de montajes también plantea decisiones curatoriales que exceden la selección y la disposición de las obras. ¿Qué aspectos conviene destacar en el universo digital? ¿Cómo evitar que las proyecciones desplacen la atención de las piezas originales? ¿Qué recorrido permite comprender las relaciones entre ambos espacios?
Por otra parte, las redes sociales ayudan a prolongar esta experiencia, pero tampoco la reproducen de manera completa. Al circular, las imágenes seleccionan ciertos fragmentos, destacan determinados elementos y dejan otros afuera. La exposición adquiere así una segunda vida digital, que puede despertar interés y ampliar su alcance, pero también condiciona la manera en que el público la interpreta.
Pensar la exposición en la era digital
Diseñar una exposición hoy no consiste simplemente en incorporar un rincón fotografiable ni en adaptar el montaje a los formatos de Instagram o TikTok. Tampoco se trata de sumar proyecciones envolventes o dispositivos interactivos como un fin en sí mismo. El mayor desafío quizá sea comprender que la circulación digital forma parte de la relación contemporánea con el arte, desde el primer contacto con una obra hasta su interpretación y difusión.
Para las instituciones culturales, esto implica repensar también los criterios con los que evalúan el alcance de una muestra. La cantidad de fotografías compartidas puede indicar que una obra despertó interés, pero no revela necesariamente qué experimentó el público durante la visita, qué comprendió ni qué vínculos estableció con las piezas. La visibilidad, por sí sola, no garantiza un acercamiento significativo al arte.
A esto se suma que las redes no son canales neutrales: sus formatos, algoritmos y hábitos de consumo privilegian ciertas imágenes y experiencias. Una pieza lumínica o una instalación monumental pueden captar rápidamente la atención, mientras que la materialidad de una pintura, su contexto histórico o el tiempo que requiere su contemplación quedan relegados a un segundo plano.
El reto consiste en aprovechar el potencial de las plataformas digitales para despertar curiosidad y ampliar la audiencia sin reducir la experiencia artística a aquello que puede fotografiarse y compartirse. Una imagen puede despertar el interés por una exposición, pero es el encuentro directo con las obras, el recorrido por el espacio y el encuentro colectivo lo que permite descubrir dimensiones que ninguna publicación puede abarcar por completo. Al fin y al cabo, el éxito de una muestra no debería medirse únicamente por cuánto circula en las redes, sino también por aquello que merece ser vivido, más allá de la pantalla.
